Como Marcel Duchamp ainda é relevante para a sociedade contemporânea

Marcel Duchamp pode não ser um nome tão popular fora dos círculos artísticos, mas sua influência é profunda, revolucionária e segue moldando o pensamento criativo desde o início do século XX. Para quem estuda ou vive da arte, Duchamp é mais do que um artista — é um divisor de águas. Ele seria considerado o pai do branding? Hoje, dia 28 de julho de 2025, em seu aniversário vamos relembrar a importância da história desse artista revolucionário.

Nascido em 1887, Duchamp cresceu em um momento efervescente da história da arte. O impressionismo e o pós-impressionismo já haviam começado a romper com os ideais acadêmicos, levando os artistas aos salões independentes e abrindo espaço para novas linguagens. A art nouveau despontava em seus primeiros passos, prometendo se consolidar na década seguinte. O cenário era um verdadeiro caldeirão de ideias — ainda sem imaginar o impacto que a virada conceitual de Duchamp causaria.

Embora frequentemente creditado como um dos pais do dadaísmo, a grande contribuição de Duchamp transcende movimentos. Ele redefiniu o que é — ou pode ser — uma obra de arte. Com ele, nasce a arte conceitual como a conhecemos e o uso do ready-made, conceito que revolucionou a forma de pensar e produzir arte.

Sua obra mais emblemática, A Fonte (1917), é também a mais provocadora. Um urinol de porcelana, exposto de forma invertida e assinado com o pseudônimo “R. Mutt”. Ao submeter esse objeto cotidiano a um salão de arte, Duchamp propôs algo radical: a ideia de que o artista, ao escolher um objeto e colocá-lo em um novo contexto, é capaz de transformá-lo em arte. “Objetos cotidianos podem ser elevados à dignidade de uma obra de arte pelo ato de escolha do artista”

Como explicam os teóricos Cramer e Grant, um ready-made surge quando um objeto é retirado de seu uso habitual e inserido no universo artístico. O que antes era utilitário — um urinol em um banheiro —, dentro de uma galeria se torna foco de contemplação, debate, crítica e análise. O gesto de Duchamp nos leva à seguinte pergunta: o que torna algo arte? E sua resposta é contundente: a assinatura do artista.

Essa virada de pensamento ecoa até hoje em diversas áreas da criação, especialmente na moda e no design.

A premissa central da arte conceitual — de que a ideia é mais importante que o objeto em si — nasce com Duchamp e reverbera até hoje no mercado de arte e, por extensão, no de moda, design e luxo. Uma de suas manifestações mais extremas talvez seja “Comedian”, escultura de Maurizio Cattelan de 2019: uma banana presa à parede com fita adesiva que estreou na Art Basel Miami Beach por US$ 120 mil e agora segue para leilão na Sotheby’s com valor estimado entre US$ 1 milhão e US$ 1,5 milhão. Outro exemplo disso foi a obra do artista italiano, Piero Manzoni, Merda D’artista,  que foi influenciado diretamente por Duchamp.  O que está à venda não é o objeto, mas a narrativa, o gesto e a assinatura de Cattelan e Manzoni — assim como Duchamp propunha ao assinar um mictório e elevá-lo à condição de arte. Os artistas, embora para muitos seja considerado algo chocante, usam da arte a sua forma mais provocativa para despontar ideias que revolucionam a sociedade como um todo.

O sucesso do ready-made como discurso se tornou base para o branding contemporâneo:  o que importa é a ideia por trás — e quem a assina mais do que o conteúdo em si.

Na moda contemporânea, por exemplo, vemos o reflexo direto desse raciocínio no fenômeno da logo mania. O que diferencia uma camiseta básica de uma peça de luxo? Muitas vezes, é apenas a presença de uma assinatura: o nome de uma maison ou de um designer impresso estrategicamente. A peça pode ter sido produzida em larga escala, mas é elevada ao status de objeto de desejo pelo gesto simbólico da marca — tal como o urinol de Duchamp.

O mesmo ocorre no design de interiores: móveis e objetos industrializados tornam-se peças valiosas não apenas pela forma ou função, mas por carregarem o nome de um criador. São os novos ready-mades: recontextualizados, ressignificados, desejados.

Na era da logo mania, não se trata apenas de tecido, corte ou função. Uma camiseta branca é apenas uma camiseta — até que ganhe a inscrição “Balenciaga” ou “Prada” no peito. Esse gesto, de apropriação e deslocamento, é o que Duchamp fez há mais de um século com seu urinol. A peça banal ganha status, valor, desejo, apenas por ter sido escolhida, isolada e assinada.

É exatamente isso que torna o pensamento de Duchamp tão atual. Ele não só antecipa o movimento da arte conceitual como oferece uma chave para compreender o funcionamento simbólico do mercado de luxo. A criação está menos no objeto em si e mais no discurso em torno dele. E é essa camada de significado, de intenção, de autoria, que sustenta tanto uma instalação em uma galeria quanto uma coleção desfilada na semana de moda de Paris.

Marcel Duchamp também foi reconhecido por suas chamadas “colagens tridimensionais”, termo usado para descrever seus ready-mades mais elaborados — nos quais objetos industrializados são combinados de forma escultural, criando composições com presença física no espaço. Essas obras extrapolam os limites do bidimensional e inserem a arte no ambiente real, instaurando relações entre forma, função e conceito que influenciaram diretamente o universo do design contemporâneo.

Ao fazer essas “colagens no espaço”, Duchamp antecipou práticas que hoje são fundamentais no design de interiores e no mobiliário conceitual, como o uso do objeto encontrado, a apropriação do banal e a provocação estética. Designers como Philippe Starck, Martino Gamper e até movimentos como o Memphis Group, nos anos 1980, beberam dessa fonte ao criarem peças que desafiam a função tradicional dos objetos e propõem novos olhares sobre o cotidiano.

Por exemplo, o famoso Bottle Rack (1914), um escorredor de garrafas de ferro fundido, sem qualquer modificação aparente, tornou-se escultura apenas por ter sido escolhido e isolado. Essa atitude reverbera hoje em projetos de interiores que assumem formas industriais ou “feias” como estética intencional, e nos ambientes onde o ordinário vira arte pela forma como é exposto — uma ideia muito presente em galerias-residência, hotéis-boutique e casas assinadas por estúdios contemporâneos.

Duchamp também foi referência direta para artistas como Andy Warhol, que levou adiante o questionamento da autoria e da produção em massa, e cuja influência também se sente fortemente na ambientação e curadoria de espaços. Warhol transformou embalagens, latas e retratos seriados em ícones, e hoje, vemos o reflexo disso em casas que misturam arte, design e ironia — com cadeiras que parecem esculturas, luminárias feitas de tubos industriais, ou até mictórios transformados em vasos de planta.

Mais do que um artista, Duchamp foi um pensador do objeto. Sua obra abriu caminho para que designers e arquitetos passassem a ver o espaço como discurso, onde cada elemento pode ser proposital, carregado de crítica, humor ou história. Seu legado é, portanto, material — mas, acima de tudo, conceitual.

A última e enigmática obra de Marcel Duchamp, Étant donnés: 1° la chute d’eau / 2° le gaz d’éclairage (1946–1966), foi mantida em segredo por mais de 20 anos e revelada apenas após sua morte, em 1968. Instalada permanentemente no Museu de Arte da Filadélfia, a obra é uma instalação que só pode ser vista por duas frestas em uma porta de madeira, revelando a cena hiper-realista de uma mulher nua, que acredita-se ser a artista brasileira Maria Martins, a qual foi sua amante por muito tempo,  deitada em meio à vegetação, segurando uma lâmpada acesa. Misturando escultura, pintura e ilusão óptica, a obra desafia o espectador com sua carga erótica, teatral e voyeurística, consolidando Duchamp como um mestre do conceito e da provocação até o fim.

Em 2026, após 50 anos sem uma grande exposição individual nos EUA, Duchamp terá uma retrospectiva histórica no MoMA em parceria com o Museu de Arte da Filadélfia. Com cerca de 300 obras, incluindo o polêmico “Nu Descendo uma Escada nº 2”, a mostra promete revisitar a trajetória de um artista que não apenas redefiniu os limites da arte, mas também antecipou os mecanismos simbólicos que hoje movem mercados inteiros.